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浅谈声乐表演成功的要索
陕西师范大学米卓
音乐天地382009.10
古语云“言之不足，歌之咏之”。歌唱是情感的表达，是语言的升华，是高于生活的艺术是人类精神层面上的文化。歌唱的过程包括发声、语言、表达情感、形体表演、化妆、服装、伴奏、伴舞等诸多内容。现代的歌唱艺术日益成为众多艺术形式的高度综合体，它将舞台艺术的声、光、电等舞美与传统声乐要素结合，形成了众绿叶捧一朵红花的局面。歌唱的发声非常重要，它决定着歌唱者的音色，如同人的皮肤。人常说“一白遮百丑”，意思是一个人的皮肤白皙可以掩盖掉许多其它面容缺点。所以每一名歌手都在精益求精地苦练基本功，试图把自己的声音色彩练到炉火纯青，从而形成了崇尚发声技巧的声乐主流。几乎稍有名气的声乐教师所开设的大师班，都是场场爆满。但是只有好的音色还是远远不够的，正如断臂的维纳斯之所以没有胳膊正是因为：雕塑家的学生一直夸他们的老师这个雕塑胳膊雕刻得太出色，于是雕塑家举起斧头，砍掉了维纳斯的双臂，满足了他“局部美服从整体美”的审美要求。正所谓“功夫在诗外”，歌唱的发声基本功同样重要，比如对音乐作品风格的把握、作品分析、情感表达、舞台表演等，它们使得歌唱成为综合美、整体美的艺术形式。下面具体谈谈这几方面。
一、作品风格的把握
不同的时代、不同的国家、不同的民族、不同的流派、作曲家，都有不同的风格。想把握好这些风格，就需要我们多去聆听、去演唱大量的音乐作品，从而建立正确的“风格感”。比如民族唱法中男高音经常演唱的声乐作品《草原上升起不落的太阳》、《洞庭鱼米香》和《乌苏里船歌》：这三首作品描写的是三种不同民族、不同地域的生活场景，要准确表达出这些
作品的地域特点和民族风味，就必须了解当地的民族音乐。著名男高音歌唱家阎维文在演唱新疆民歌时就遇到了这样一件事：他把自己已经演唱多年的《阿拉木汗》唱给一位新疆人，结果对方说他唱的不地道，让他去新疆听听那里民族兄弟的行腔方式。后来阎维文去了新疆，跟当地的农民歌手一起唱歌，发现自己先前的演唱确实不够味。之后阎维文在自己的新专辑中重新录了这首歌并得到了听众的普遍好评；除此之外，歌唱者还要对作品的时代背景、思想内容和对作曲家创作特点进行了解，把握整个乐曲的风格，从而正确地演唱，准确地表达作品的音乐思想。比如徐沛东老师为歌唱家宋祖英写了不少风格相类似的歌曲如《爱我中 华》、《大地飞歌》等，这些歌词的内容、音乐与宋祖英的演唱风格非常贴近，因此这些作品取得了成功。
二、分析作品的曲式结构
精心研读乐谱是歌手重要的基本功之一。乐谱是传达音乐的载体，要演唱音乐作品，首先必须仔细地研究乐谱，才能尽快地领悟作曲家的意图。我国著名钢琴教育家朱工一曾说过：“精心研读乐谱是窥探作者心理奥秘的重要途径。”通过研读乐谱我们就可以明白乐曲中各个乐句划分。乐句的划分也是表现音乐的一个重要内容。乐句有连奏、断奏、跳奏，这就要靠丰富的音乐感知去划分了。每个乐句中的音符都是根据音乐的发展及乐句的语气串成一条流动的曲线，形成了乐句上、下的“走向”。根据这些“语气”的曲线，才能完美地表达出作品的情感变化，从而得到共鸣。同时明白歌曲的曲式结构，就可以知道作者对于一首作品的整体安排。分析曲式结构，可以使演唱者更加清晰整个作品的来龙去脉，这样才能把作品的演
奏组织在一个逻辑性极强的整体之中。在理性与感性高度结合的基础上，塑造出丰富的音乐形象。以歌曲《山西牧歌》为例：歌曲开头是完全重复的两个散板乐段，为我们描绘出一个 北方高原牧场的美丽风光，并且给我们介绍了歌曲的主人公；紧接着音乐进入中段——轻盈的快板，展现出男女恋爱的生动活泼故事，同时调性由商调式转为羽调式，；结尾调性回归，再现开头的旋律，但音乐表现的内容更加甜蜜、温馨。分析了这些结构，歌唱者就很容易找到讲述这个甜美爱情故事的感觉，从而能够准确表达歌曲内容。教学指向标
三、研究好伴奏织体和调性
织体和调性代表着音乐的性质，决定着音乐表达思想的方式。如同建筑材料一样，织体和调性形成了音乐作品的基本蓝图，在这个蓝图上一个个音符被安装在框架上，形成了有血有肉的鲜明音乐形象。同样的一件艺术品，使用不同的材质导致价格有天壤之别。音乐的织体和调性是音乐素材材质的体现，柱式和弦如同凯旋归来的武士，刚毅有力；分解和弦如同潺潺溪水，清澈欢悦；大调色彩明朗，如同水晶和玻璃，又同翡翠和玛瑙色彩明朗，代表着阳光；小调柔和暗淡如同花木、和田玉，如同耀州黑陶、龙窑青瓷，温润中浸透着和谐。调性的转换与和声的进行在作品中也起着很大的作用，作曲家对乐曲的调式、调性的选择是从内容的需要出发的，其中和声的进行对作品中的色彩变化起着极其微妙的作用。学习过键盘和声和即兴伴奏的人都知道：为了让音乐充满丰富的变化，配伴奏者经常给歌曲添加各种不同的和声织体，使得音乐的层次感加强，情感情绪更加明晰；同时有些作品本身就有调式、调性变化，比如《山西牧歌》、《大地飞歌》、《重归苏莲托》、《海恋》等，在没有调性调式变化的歌曲中我们也可以给予不同的乐段一些调性变化，使得音乐的色彩充满生机。调式、调性不同演唱的感觉自然不同。所以良好的和声功底对于演唱个性和风格的形成至关重要。教师在教学中应鼓励演唱者自己多编配和声、伴奏，为同一首作品编配不同的伴奏和和声，来体会对歌曲内容的不同表现感觉。
四、设计好情感、情绪部局
唱歌就好像排兵布阵，事先要对所演唱作品中的各个情感、情绪表达有精心的安排，这样就做到了心中有数。这些安排要紧密结合歌曲的曲式结构、和声、织体、调式、调性以及歌词内容。根据这些因素设计好各处的具体情感、情绪。表情术语及记号是研究乐谱的首要课题。从乐谱上的表情术语及记号可初步把握一首乐曲的基本情绪、速度和性质。然而，动听的音乐并不是像打字机一样，把谱面上的音符一个个“打”出来，而是在遵循作曲家写在乐谱上的标记的基础上，结合内心的音乐感知，真正把音乐表现出来，才能震撼人心。歌唱者的音乐形象是运用强弱、音区的高低、速度的快慢、音色的变化等实际的音响效果与发声的各种技巧结合而成的。而音乐形象是作曲家在生活中对感情体验的神情描绘。所以，演奏者要热爱生活，积极主动地丰富自己，才能演奏出作品的内涵。以民族唱法女高音曲目《梅花引》为例：演唱者可以根据梅花寒冬怒放的特点将它比做一个高洁的女子；梅花独守寒冬表示她为自己的知己独守空房；悬崖上独自开，意指女子生活的艰难；疏影横斜、一树梅花可以理解为守候心上人的寂寞和长久。笔者在教学中尝试让学生站在“你”、“我”、“他”三种不同的角色位置进行演唱。“你”，就是站在高洁女子心上人的立场上去体会对方的感情；“我”，歌唱者本身就是那位女子；“他”，歌唱者是一名游客，或者是一个故事的听众，面对世间如此感人的爱情故事，面对这名女子的忠贞与承诺，发出自己的感慨。然后利用乐段和歌词进行细化，将整个歌曲分成若干个故事段落，进行情节串联，形成一个感人泪下的爱情千古传奇。三种角色定位，歌唱者将会获得丰富的、不同的情感体会，从而唱出三种《梅花引》，这非常奇妙！当然，一个人在直接生活中体验是有限的。比如，对于国外的异国风土人情、古代的人文历史等，我们很难去直接体验。所以，我们要从历史、文学、美术等多种文化中去学习和了解，从中间接增强自身的生活体验。
五、设计好舞台动作
舞台表演是歌唱的肢体语言，它能大大增加歌唱者的表现力，现在所有音乐学院的声乐系都开设表演课程。在表演课上，老师可以先设定一个故事情节，然后让同学们根据它设计形体的姿态、脸部表情和眼神、手势活动等诸多环节，也可以将这些因素单独分开进行训练，逐个调整、把握。在舞台表演中，肢体语言的运用，应根据声乐作品的风格、样式和具体内容来设定，如各种不同的唱法对声乐表演的形体表现就具有约定性。通俗歌曲的演唱可以边舞边唱、唱中有舞、舞中有唱。民族歌曲演唱则又允许融进戏曲表演的身段。美声唱法则更多地注意保护共鸣腔体和演唱姿态的相对稳定，强调声乐本身的作用。又如，表演唱和小合唱的人数可能相近似，然而作品的风格和样式却要求表演唱可以边演边唱；而小合唱则更多的突出入声和多声部形成和声的音响，更注意声音自身的美感。但是，归根结蒂，在处理形体和歌声的关系中，形体所把握的分寸以不破坏作品的整体意境，不扰乱欣赏者的心理状态为原则，以表现演唱者的艺术感受、作品的内容和潜在的律动为目的。所以歌唱者要根据设计好的情感、情绪部局作出相应的舞台动作，使得歌唱与表演融为一体，相得益彰。为此歌唱者要注意自己的形体训练，同时学习一些其他表演艺术知识，如话剧表演知识等，增加对舞台的控制、把握能力。做到心中有数上台，胸有成竹表演，圆满地下台。歌唱是一种综合艺术，它是声音、语言、表演、服装道具等的综合体，任何一个环节的疏漏都会影响歌唱的整 体效果。只有在各个环节都过硬的歌手才会在舞台上绽放绚烂的光彩！歌唱者应注意把握声与表演的要素，从而走向成功。
