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西方摄影流派
摄影术起源于十九世纪的法国。1839年8月19日，当法国人将达盖尔（Louis Jacques Mande Daguerre, 1787-1851）的“银版摄影法”认定为最早的摄影术，并通过法兰西科学院和美术院联席会议公诸于世时，世界上狂热追求摄影术的人们很快发现，摄影术的发展和发达得益于两个支撑点——一个属于自然科学的工程技术，一个属于人文科学的造型艺术。在摄影术短短的168多年的发展历史中，摄影术产生了诸多流派。这完全得益于技术与艺术相当默契的配合。
所谓流派，是指以一批志同道合的摄影家，在共同的理论旗帜下所形成的具有相同创作特点风格的派别群体。在摄影流派的发展过程中，早期的脉络比较清晰，绘画派、纯影派、纪实派和抽象派是摄影艺术发展的四大流派。而在进入20世纪20年代以后，随着摄影技术和摄影风格的迅速发展，各种思潮的涌现各种艺术风格的诞生与消失，再加上摄影与商业的结合和各种不同形式的表现，出现了很多现代主义或后现代主义流派，诸如：达达派、超现实主义、主观主义、新现实主义、商业影像派、自囚式反向派、战栗的影像派„„。但归根结蒂，这些新创立的派别都或多或少是建立在四大流派的基础上发展起来的，因此对传统的四大流派做一个简单的归纳，以期对今后研究现当代摄影流派有所帮助。
一、画意派摄影
画意派摄影是流行于19世纪中叶至20世纪初一个摄影艺术流派，产生于1850年左右的英国。当时，摄影术刚刚发明不久，许多画家和具有深厚美学修养的艺术人士痴迷于摄影神奇的再现力，纷纷转向摄影艺术创作。他们在创作上追求摄影作品的绘画效果或“诗情画意”，提出“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提香”。
绘画与摄影本来就有着不可分割的亲密关系，这种关系在早期摄影作品中体现得尤为直接。英国画家希路是第一个画意派摄影人。他擅长人像摄影，其作品结构严谨，造型优雅。1851年至1853年是绘画派摄影的成长时期。到了1869年，英国摄影家亨利·佩奇·鲁宾逊出版了《摄影的画意效果》一书，为绘画派摄影奠定了理论基础。他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，这样才可成为优秀的艺术家。毫无疑问，摄影技术的继续改良和不断发明为艺术家提供了自由发挥的天地。但是技术上的进步不一定就等于艺术的进步。因为技能本身无论怎样精巧完备，对摄影的艺术追求来说，它也还会把我们引领到更高的目标。”
画意派摄影的创作实践大致经历了“模仿绘画形式”、“崇尚典雅风格”和“追求诗情画意”三个发展阶段。
1857年，画意派摄影正处于“模仿绘画形式”时期，奥斯卡·古斯塔夫·雷兰德创作了《两种人生》。
这幅由30余张底片拼放而成，且具有文艺复兴艺术风格的摄影作品，标志着该派摄影艺术的成熟。这一时期，绘画派摄影的题材大都富有宗教色彩，作品往往含有一定的规喻性；摄影家在拍摄时均刻意追求照片画面的古典绘画效果。其具体步骤是：预先打好草图；使用 模特儿、道具；组织、安排场面；最后通过暗房加工将作品制作而成。
在随后的“崇尚典雅风格”时期，画意派摄影的内容有所扩大，但它们仍崇尚古典主义绘画风格，造型和构图依然遵循学院派的艺术法则，作品格调含蓄而典雅。
当画意派摄影发展到“追求诗情画意”阶段时，摄影家们更讲究情感、意境和形式的美，重视发挥摄影作为造型艺术的特点。1893年，汉堡画意摄影展的举办以及此后巴黎摄影俱乐部和伦敦摄影沙龙的相继成立，将该派摄影的发展推向了顶峰。
早期绘画派摄影作为一种倾向于古典审美的流行时尚，受到过来自摄影圈内外的种种非难，其中最直接的是自然主义摄影倡导者爱默生，他曾断言摄影“跟着绘画跑充其量是个奴婢，而不会成为主人”。后来现代摄影的开拓者们为追求新的表现手法，也曾以背叛绘画派风格作为自己的垫脚石。但是可以肯定地是，绘画派摄影家强调艺术修养，他们把摄影从初期的机械摹写表现对象引导到造型艺术的领域中去，有力地促进了摄影艺术的发展。在今天的摄影艺术殿堂中，画意派摄影仍有它的一席之地。
二、纯影派摄影
所谓纯粹摄影，又称“纯摄影”，是20世纪初，作为“画意派”的对立面而崛起于西方摄影界的一个摄影流派。一般来说，绘画派摄影及其后期制作允许模特扮演、剪贴叠放，以及使用种种技巧来摧毁原画面的清晰效果；而纯影派摄影家则主张摄影应该纯纯粹粹地表现镜头的真实，反映摄影艺术的本质和特色，反对人为地加工、修饰和亦步亦趋地模仿绘画。后者认为，只有通过纯粹的“真”，才能得到最完善的美。而在现实世界中，有许多美都藏在卑微之处，镜头的巨大威力就是要把被忽视的美忠实而精妙地表现出来。这一流派摄影家经常使用大相机（8英寸X10英寸）、大底片、硬镜头，以极小的光圈(f/64)拍摄景深极大、影纹极为清晰、影像非常优美、层次十分丰富的底片。
纯影派最早出现在法国和德国，当时最有代表性的两位摄影家是法国人尤金·阿杰特和德国人帕兹格。帕兹格拍摄了许多具有纯影特色的作品，那清新直率的纯影风格和表现方法很快被善于吸收新鲜事物的美国人所接受。于是，一些已经很有成就的绘画派摄影家如阿尔弗雷德·施蒂格利茨（Alfred Stieglitz, 1864-1946）、爱德华·斯泰肯（Edward Steichen，1879-1973）、保罗·斯特兰德（Paul Strand），等人纷纷改弦易辙，投入到纯影风格的怀抱。
在美国纯影运动初期，影响最大的人物是保罗·斯特兰德。他从1915年开始就拍摄了一批聚焦特别清晰的照片。美国摄影鼻祖之一的史蒂格利茨曾评价说：“斯特兰德无疑是美国唯一的重要摄影家，他真正地为摄影添加了某种原有的景色。”评论家们也认为斯特兰德的作品充满了丰富的黑白影调和能够激发美感的细节，几乎达到了炉火纯青的地步。保罗·斯特兰德的这幅《男孩，德维亚·夏朗德》拍摄于1951年，画面中的男孩炯炯有神的目光洋溢着青春的严肃，似乎传达他对生活的无限信心。
但是，真正把纯影创作推向高潮并形成“气候”的，是一批生活在美国西海岸加利福尼亚一带的摄影家。1932至1935年间“f／64群体(f／64 Group)”的出现，是他们成熟的明显标志。在构成这个群体的八九位摄影家中，最有代表性的是爱德华·韦斯顿和安塞尔·亚当斯。他们把纯影风格的摄影创作推上一个新水平，并将纯影派的美学观点发挥到了淋漓尽致的程度。
应该说，纯影派的出现与成熟标志着摄影艺术本体观念的进一步觉醒，它彻底动摇了画意派摄影在世界影坛上与写实摄影平分秋色的地位，推动了摄影艺术与技术的发展。
在创作实践中，纯影派的生命力是十分旺盛的，虽然他们的作品大都创作于20世纪30至40年代——其艺术成就此时已发展至高峰。但是今天该派的成员依然遍及世界的各个角落。例如美国风光摄影高手大卫·穆恩奇就可以说是当今纯影派的代表，他所拍的照片影纹清晰，层次细腻，具有很高的艺术价值和鲜明个性色彩。
三、纪实派摄影
摄影是历史瞬间的记录，纪实摄影是现实世界的真实记录。在摄影创作中，纪实是需要良知和勇气的。摄影家要想坚持纪实，就必须坚持深入现实，深入生活，深入到各种紧张激烈的斗争中去。因此，为了贯彻自己的信念和主张，纪实摄影家往往要付出高昂的代价，甚至献出鲜血和生命。
从摄影发展史来看，初期的纪实摄影受到器材笨重和感光缓慢的制约，要“抓拍”到具有动感的对象很困难，摄影家们只能拍摄一些静态的东西。纪实摄影的大发展是在第一次世界大战结束以后。这时，比较轻型的相机和感光较快、装卸方便的胶片开始问世，它们为纪实摄影提供了必要的物质条件。另外，经过战争的考验，人们的思想意识也发生了飞跃，开始对种种社会问题进行严肃的思考和深入的研究。
法国人尤金·阿杰特自19世纪末就开始从事纪实摄影活动，是纪实派摄影的先驱。下面这幅《卡伯莱·慕弗塔尔街》拍摄于1900年，纪实性描述了巴黎街头一家名叫罗曼诺的酒店，我们可以从画面中看到它的门口还张贴不少招牌出售报纸。
20世纪初，纪实摄影首先在美国得到发展，刘易斯·海因（Lewis Hine）是主要代表人物。此外，最早在法国巴黎从事摄影活动的安德列·柯特兹，也对纪实派摄影的早期实践做出了重要贡献。
20世纪30年代中期，纪实派摄影在美国真正走向成熟，其标志是1935年“FSA摄影群体”（“FSA”是“美国农业安全局(Farm Security Administration)”的英文简称。这个机构为了向有关上级报告某些农业地区所发生和存在的问题，需要在其文字资料之外附上形象的照片来加以说明和证实，为此，FSA招聘了不少颇有才华的纪实摄影家。）的出现。此后直至60年代，欧美纪实派摄影家的队伍日益壮大，大师纷纷出世，其中有阿尔费莱德·艾森斯塔特、亨利·卡蒂埃—布列松、罗伯特·杜瓦诺、尤金·史密斯和马克·里布等。不过在40年代中期以前，大家一直忙于实践，纪实派摄影始终缺乏理论上的建树。
1946年布列松提出“决定性瞬间”的论点，即摄影创作应该“借最好的一刹那，来使事件产生全新的意义与境界”。纪实派摄影因此有了一个坚实的理论基础。长期以来，布列松“决定性瞬间”的理论被大家广泛认同，颇具生命力，它一直影响到在20世纪80～90年代卓有建树的纪实摄影家塞巴斯提奥·萨尔加多和史蒂夫·麦凯瑞。
然而在50年代末、60年代初，在布列松的理论之外，欧美摄影界还出现了一种激进的纪实摄影风格，其代表人物是罗伯特·弗兰克和威廉·克莱因。这种风格的摄影并没有改变以往纪实摄影的基本手段——抓拍，也没有改变纪实摄影所追求的真实、自然、生动的风格，但它拍摄时更泼辣，更大胆，更毫无顾忌——只要能表现自己对各种现象的看法，激进的纪实摄影家根本不考虑当时的光线好不好、构图是否循规蹈矩、曝光是否恰如其分„„这种不顾一切的现场抓拍的摄影手段，正是一种“快照式的美学观点”或“随意即兴式的摄影观念”的体现。
四、抽象派摄影
抽象摄影的出现跟抽象绘画有着密切关系。包括绘画在内的抽象艺术常被称为“视觉音乐”。抽象绘画创始人之一的康定斯基认为：疏密、轻重、虚实、长短、曲直以及圈圈点点在画面空间里所形成的节奏变化，有如乐曲所展示的声音的节奏变化；色彩的冷暖、浓淡、明暗，也正如乐曲中音色的变化。画家完全可以凭着这些抽象的形和色、光和影来抒发内心的情感，表达某种情绪和气氛。同样，尽管种类繁多，抽象摄影亦强调视觉上的音乐性，追求各种视觉形象的音乐化。它们的作品不表现任何故事和情节，没有任何具体内容，而只是要人们欣赏由色彩、形体、线条、斑点及影调所构成的旋律和节奏，欣赏它们所形成的和谐、完美的小天地。于是，抽象派摄影家们往往带着一种强烈的抽象感来观察世界，他们几乎能在任何地方发现抽象美的存在。在摇动的水波里，在石块和苔藓上，在硫磺的矿坑中，在冬天的原野上，抽象派摄影家都可以发掘出拍摄题材。甚至连那些被压扁的罐头筒和爆裂的漆皮之类令人不屑一顾的废品，也会成为他们进行摄影创作的对象。
抽象派摄影的思维方式和表现手法具有某种先锋性和实验性，其作品十分强调形式感，显得有些晦涩难懂。抽象摄影最早露面是在第一次世界大战结束后的20年代，代表人物是美国摄影大师曼·瑞和莫霍莱·纳吉。这两位摄影家几乎同时发明了一种制作抽象照片的“实物直接曝光法”，曼·瑞给其取名为“Rayograph”，纳吉则称之为“Photogram”(光画)，其意思就是用光线直接制作的画。进入30年代后，抽象摄影日趋成熟。当时的纯影大师韦斯顿就经常拍摄一些纯抽象或带有抽象意味的照片（甜椒、鹦鹉螺等）。
活跃在40—60年代抽象摄影领域中的两位大师是艾龙·西斯坎德和哈瑞·卡拉汉，他们都曾在美国伊利诺斯工艺美术学院任教。此外，彼得·凯特曼的作品也颇有代表性。
另一位专拍彩色抽象照片的大师是厄斯特·哈斯。他曾在被撕扯得乱七八糟的广告招贴上挖掘出许多美丽抽象的画面，表现出摈弃传统的审美观念。此外，哈斯还是第一个采用慢门把动体抽象化的摄影家。早在50年代，他就试用1／10秒以下的快门速度拍摄剧烈活动中的动物和车辆，把它们转化为模糊不清的抽象图形。
在当代影坛上，意大利摄影家弗朗科·方塔纳的风光照带有比较强烈的抽象意味，可以看作是当今抽象派摄影的代表。
五、小结
绘画派、纯影派、纪实派和抽象派是摄影艺术发展的四大流派，其他流派或多或少受此四类流派影响，而这四大流派之间的相互联系又促进其他流派发展。比如活跃在20世纪60年代的“荒诞派”摄影，其代表人物森黛·史葛兰（Sandy Skogland）在年轻时候搞过抽象派创作；纯粹派摄影先驱斯泰肯早期作品主要体现为绘画派风格„„。所以，把握好了四大流派的脉络就把握住了整个摄影历史的潮流。
