艺术视知觉由刀豆文库小编整理，希望给你工作、学习、生活带来方便，猜你可能喜欢“艺术与视知觉”。
人的左半脑是管抽象思维的，右半脑是管形象思维的，但是却没有注意到还有更抽象的形式，这个形式在人的大脑中形成一个特殊的区域。世界上最优秀的大众艺术，包括电影，广告，绘画，雕塑，服装设计等，都是通过这种视觉形式把观众带入这个特殊区域的。视觉心理学是研究视觉与思维的特殊关系，而不是研究一般关系。这是视觉心理学与视觉美学的根本区别。
其实最高级的思维形式，是一种更抽象的形式，即非逻辑形式。这种形式脱离了经验和事物的普遍规律，它使人意识到其独特的合理和真实。
人的想象力的产生，又是人的抽象水平所决定的。所以人类思维的发展受形式的影响，在形式的多样性和多变性的发展过程中，因抽象水平的提高，促进了人类智慧的发展，使人类对世界的认识更全面，直到深刻、完善，继而发展到人能描述事物的表面形态，形成了形象思维的发展。
世界的进步，在于大脑的活动，而大脑的活动则在于形式的活动。一个有具体内容的世界，只是大脑的外部形式。只有进入抽象活动，才是大脑的内部形式。用形式可以取代内容，用概念可以取代形式。
所谓形式，就是指物理形式和心理形式的同等作用，即内在形式能表达外在形式的作用。或者说表达外在形式和内在形式的关系，称为形式。
当我们谈到事物的关系时，首先要谈到形式，这样做的结果，是先找到自己的看法，然后去认识这件事物和那件事物的关系。
如果某一种抽象形式告知他，离太阳系很远很远的地方，有一个星球，下的是黑雪，他一定觉得这样的形式很有趣。
万宝路香烟广告，广告中，用马，西部牛仔，套马绳，表现“力”的形式，广告中力的抽象形式和香烟中力的抽象形式巧妙结合，使观众从力的视觉形式中，知觉到香烟的概念。希腊哲学家康德：没有抽象的视觉谓之盲；没有视觉的抽象谓之空（洞）。按照毕加索的看法，一幅画并不是大脑以外的知觉对象，看到一张桌子和看到一幅画应该是不一样的，一切再现性艺术都是抽象的。
一个画家单凭手中的技艺而头脑里没有与技艺相符的抽象水平是无法成为形象思维的艺术家的。
一幅画并不缺少事物的标准形态，比如梵高把云和树画的象火的形状，梵高撇开云和树的含义，他对这一特征的利用，是画的表现。然而事物的客观标准并不是语言的本身，视觉语言之所以对知觉有所帮助，是在于它提供的语言材料超出了图象的范围。
所谓两次转换，是指第一次转换使图象发生作用，第二次转换使作用达到效果，因此“看”和视觉是两个不同性质的概念。比如烟斗的抽象图案，可以代表男性的概念，高跟鞋的抽象图案，同样可以代表女性的概念。人们之所以能使这两个图案延伸到语言符号，完全是从一件事物联系到另一件事物的想象（感觉），这种想象涉及到人的感官形式。所以动态的物体比静态的物体更具有吸引力。
在世界上出现的一切事物的形态，都可以拟人化，所以艺术能表现出一种力量，支配人的心灵，感受这个世界。
人类的大脑对世界的认识，最终的目标是——创造。在视觉心理学中有这样一个定义：当一种形式转换成另一种形式的时候，另一种形式一定是创造性的思维。
更抽象的思维形式，是视觉最重要的领域。如果一个画家，要考虑他的画作，想要达到世界级水平，不应该过多的考虑外部世界的图象，而是要更多的考虑内部世界的形式。凡是眼睛能看到的东西，只能发挥一般作用，因为眼睛只能看到事物的表面形态，任何事物的表面形态都具有普遍性。
它必须使观众的视知觉活动进入三个阶段，第一阶段是看的阶段，第二阶段是一种形式向另一种形式转化的阶段，第三阶段是观众的知觉水平能使眼前的作品在瞬间区别所有的同类作品的阶段。
好的内部形式和外部形式的关系决定了这幅画或电影持久的生命力。
其实艺术家对视觉语言的表达水平，就体现在这样一个公式里：“视觉语言不等于视觉形式，而等于知觉形式。”
不合理的形式是合理形式的媒介。也就是说，视觉传达视觉语言或视觉符号时，要依靠视觉形式的高度抽象，而高度抽象包括着不合理的情景。因此有水平的视觉艺术，它一定有这样的一个合理的公式：“视觉形式等于抽象形式，等于知觉形式，等于概念的形式。”
无论什么故事，都能证明高度抽象的视觉形式是创作性思维方法最重要的心理学定义。所谓视觉，就是两种形式的关系，所谓两种形式，就是指“预知”的形式，和眼前的形式发生的关系，产生与原来不同的感觉。
无论是动态表现还是静态表现，都应该在同一个画面中出现两种形式，一种代表视觉形式，另一种代表心理形式。重要的是，必须使视觉形式过度到心理形式。靠什么过渡？靠图象过渡。这是视觉心理学的重要法则。人类喜欢更抽象的视觉形式。
一个物体只有具体性而没有抽象性，就不可能成为一种语言形式。
抽象是从事物的普遍性中抽取个别概念，制造新的意象，才产生这种效果的，这就是艺术的表现力。
所谓视觉活动，是指眼睛无法触摸的东西，让知觉去触摸。
当这些东西被组织成另一种形式，并被感官转变成视觉思维方式时，才产生艺术。事实上一切艺术形式都是非实物存在的空间，虽然艺术能使我们认识到真实事物，但是艺术的真实性并不等于艺术的特殊性，也不等于完全可以达到艺术的目的。比如画家使一个物体的轮廓在一幅画中表现出来，但并不等于这个物体具有吸引眼球的功能。眼睛穿过一幅画的空间，不等于发挥了知觉的作用。究竟一幅画应以什么样的状态才能使眼睛感受到这幅画再现出来的饿“能量”？一幅画的水平意味着眼睛究竟能发挥什么样的作用？眼睛如何收集一幅画再现出来的“能量”？关键在于艺术家用什么样的抽象方法来模仿事物的性质。
如果一部电视广告不能真正表现它的品牌，它也只能充当另一个品牌的广告。如果，一个为童装设计的商标造型，同时也可以作为成人西装的商标造型，这样的现象，是因为形式缺少了独立的抽象方式。所谓抽象方式，举例说：一首曲子，钢琴可以演奏，笛子也可以演奏。如果我们辨别不出是钢琴演奏的音色还是笛子演奏的音色，这样只能证明，钢琴的形式缺少独立的抽象方式，或笛子的形式缺少独立的抽象方式。每一个形式都必须有一个独立的抽象方式。然而，同样一个想象世界却分成科幻电影和魔幻电影。它们之所以受人人喜爱，都是因为它们具有独立的抽象方式——一个是对科学技术的抽象，一个是从想象世界抽象成魔幻世界。
卓别林这样的喜剧手法，就是使形式发生意外的变化，讽刺机械工业所产生的机械效果。由于人的眼睛在一个瞬间只能注意到一个重点，重点扫描与它有关系的形态，这样可以加大视觉的力度。
人类对事物的反应，都是在选择自己最重要的东西，人的眼睛也在选择不同程度的重点。然而，形式在视觉上的特性是抽象，只有抽象才能决定形式对图象的作用。如果形象的图象起到抽象的作用，观众所获取的概念，一定是特殊概念。这是我们应该记住的视觉心理学上的一个重要定义。世界上任何事物的状态都可以满足艺术不同的要求，一切事物都处于动态和静态中，这也是视觉非常重要的资源。比如“力”是无形的，有时候“关系”是有形的，而它们所构成的形状却是“无形”的。
上述例子证明了汽车被“减少”的力量等于心理“增加”的力量，也等于视觉的反作用力。视觉在影片中，之所以能成功的把力量再现出来，关键是削弱物体的力量，然后才能增加心理形式的力量。任何视觉力的运动方向，都应该是反向活动的方向。在感知者心目中呈现出一种更抽象的感受，这类概念或感受被称为心理意象，是艺术发展到后期阶段才产生出来的一种艺术效果，这种意象的作用是要求感知者感知到物体的构造，而不是感知到物体的形状或其他。这说明了艺术表现已发展到了较高的水平。
按照画家莫奈的看法，一个物体的本来形象和一个物体的艺术形象，并不是一回事。艺术解决问题的方式完全与现实解决问题的标准截然不同。当我们看到生活方式是这样解决问题时，艺术方式就是另外一种方式，因为艺术要虚构事物的形象，才能达到艺术的表现，这样才能使艺术达到表现典型事物的效果。
一旦一个作品能有两个极端，即抽象与形象组成的中性的艺术形式，一般情况下，它一定是一个最优秀的作品。特殊抽象是最好的创造性思维，也是意象成型的根本法则。所谓视觉艺术，即非实物存在的感官意识，就是以往的经验在头脑里被抽象出来的。
优秀的艺术创造者，依靠两种方式完成他的作品，一种是虚构方式，另一种是观众头脑里的加工方式。真正的视觉活动与人类自身的经验是一致的。
事实上一幅画上再现的物体要比真实的物体抽象，它的抽象性才是实际物体的真正的画像。所谓抽象性就是给人一种在心灵上的绘画的感觉。所谓画的生命力就是画的抽象能力，超越了一幅画的实际能力。也就是说人的想象力超越了这幅画的表现，通过抽象水平完成一幅画的作用，是视觉艺术不可缺少的重要手段。因此世界上没有一幅画的真实性不是通过它自身的抽象再现表现出来的。我们明知道通过线条和色块感知到的物体的形状是虚构出来的，可是让人看上去却是真实的。在视觉艺术中，捕捉事物的结果就是捕捉概念的形式，人头马商标的效果是知觉捕捉事物的结构，获取概念的形式。而自由女神像是知觉捕捉概念的形式，而获取事物的结构。艺术方式就是知觉方式，艺术家创造的视觉意象需要知觉去完成这个意象所表达的概念，这是视知觉原理的重要方式。
所谓哲学思维，就是应用形式表现客观世界的思维方法。也就是说视觉的概念，就是把哲学的形式抽象成瞬间的感官形式，这种特别的抽象形式，是大脑内部之间，形式与形式配对活动而生发出来的最高级的思维活动的形式。如果视觉艺术不进入到非逻辑形式的话，作品容易显得一般化，不符合视觉产生的发展和视觉创新的要求。
形象的画面不等于形象的形式，不管哪一种艺术都需要认识这一道理。大脑内部的感觉不在于图象的表达，而在于形式对大脑的作用。因为图象本身不是语言，只有图象与形式之间存在一种特殊关系，才能构成视觉语言的表达方式。凡是图象和画面形式的视觉艺术，都应该是大众语言的视觉艺术。
成为语言成分的图象或图，是艺术创作必须重视的问题。可是，每一个语言和符号，只是在某一个作品中保持稳定，并不能证明它在另一个作品里也能成为一个语言和符号，所以视觉语言标志着艺术的独创性。也就是说，一个作品，一个艺术观。创新意识是人类的自然本性。达芬奇的蒙娜丽莎使你进入了大脑的特殊区域，这个区域的作用，会使你把一切东西看成相反的，使明明不动的也看成活动的了。创造性思维是在抽象性思维的基础上发展过来的。最后的晚餐》达.芬奇 油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作.在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达.芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：“你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。
《最后的晚餐》创作历史：
1463年－由建筑师索拉里兄弟修建圣玛利亚感恩修道院Santa Maria delle Grazie。
1470年代－公爵卢多维科·斯福尔札，扩建修道院。公爵找来了当时28岁的画家达芬奇与另一位米兰建筑师布拉曼特一同设计，建筑师布拉曼特将修道院后部的半圆顶穹窿改为挑高的圣坛。此外也增建了方形回廊、餐厅等。1495年-1497年－在有公爵庐多维科王徽装饰的主窗下。达芬奇选择了大厅北墙绘制他打稿已久的油画“最后的晚餐”，就连颜料也是他自己的发明，是一种油彩与蛋彩的混合颜料。而非中世纪时期广被运用的湿壁画颜料。此颜料因混合了有机物，据知是鸡蛋与牛奶，而且达芬奇涂的很薄，导致“最后的晚餐”在五十年后就因湿气而开始严重剥落，修道院费尽心力修补此画多次。
1652年－修道院在墙上开了一道小门，因此将画中耶稣与三个门徒的脚给截去了。
1796年－拿破仑占领米兰，修道院被军方占用，据记载该大厅被用来当做马房。1943年－二次大战期间，米兰遭受剧烈的轰炸，所幸修道院并没有被完全摧毁，为保护画作，军方与人民以沙包、钢架、木板将整面墙做了严密的保护，战后修复了顷倒的其他屋体之后，才重新公开此画。今日去参观此画，仍可看到当时的照片纪录。
1982年－意大利成立修复小组，并在奥利外提公司的资助下，开始用科学仪器辅助清洗并修补“最后的晚餐”，主持修复计划的是米兰的一位艺术史女教授比宁·布拉姆比拉（Pinin Brambilla Barcilon）。此举虽满足世人长久以来的愿望，但也引起艺术界的一些争议，因此修复过程相当久，直到1999年3月才重新公开展示此画。
2000年－“最后的晚餐”并没有停止修补，而外界的争议却越来越大，有些评论家认为此画被清洗的太过明亮，而艺术史家和宗教学家则在修复过的画中发现了许多与众不同的线索。争议：
2003年3月18日－美国作家丹·布朗（en:Dan Brown）出版小说：达芬奇密码（en:The Da Vinci Code），书中指出此画中耶稣右手边的门徒约翰，其实是位女人，是抹大拉的玛利亚，因此引起了相当大的争议，至今仍无结论。注意画中有一只握着匕首的手,令人着迷的是这只手似乎不属于画中任何一人.《最后的晚餐》画作内容： 高4.6米，宽8.8米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使徒做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。《最后的晚餐》是基督教传说中最重要的故事，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。
画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。
画家描绘的弟子们的心理和情态，在现实生活中都可以找到相似的模特儿，可是叛变者的形象是很难画的。达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。后来米兰大公来看芬奇已完成的画，一见坐在犹大位置上的是院长，他笑了，并说：我也收到修士们的指控，说他克扣修士们的薪金，他和犹大是一个样的，就让他永远地坐在这里吧。大公对芬奇说：“他对你不公平，你巧妙地报复了他。”芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。所以犹大是作为贪财、叛卖、邪恶的典型而进入芬奇的作品的。
这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达芬奇名扬世界。最后的晚餐》达.芬奇 油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作.在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达.芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：“你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。
《最后的晚餐》创作历史：
1463年－由建筑师索拉里兄弟修建圣玛利亚感恩修道院Santa Maria delle Grazie。
1470年代－公爵卢多维科·斯福尔札，扩建修道院。公爵找来了当时28岁的画家达芬奇与另一位米兰建筑师布拉曼特一同设计，建筑师布拉曼特将修道院后部的半圆顶穹窿改为挑高的圣坛。此外也增建了方形回廊、餐厅等。1495年-1497年－在有公爵庐多维科王徽装饰的主窗下。达芬奇选择了大厅北墙绘制他打稿已久的油画“最后的晚餐”，就连颜料也是他自己的发明，是一种油彩与蛋彩的混合颜料。而非中世纪时期广被运用的湿壁画颜料。此颜料因混合了有机物，据知是鸡蛋与牛奶，而且达芬奇涂的很薄，导致“最后的晚餐”在五十年后就因湿气而开始严重剥落，修道院费尽心力修补此画多次。
1652年－修道院在墙上开了一道小门，因此将画中耶稣与三个门徒的脚给截去了。
1796年－拿破仑占领米兰，修道院被军方占用，据记载该大厅被用来当做马房。1943年－二次大战期间，米兰遭受剧烈的轰炸，所幸修道院并没有被完全摧毁，为保护画作，军方与人民以沙包、钢架、木板将整面墙做了严密的保护，战后修复了顷倒的其他屋体之后，才重新公开此画。今日去参观此画，仍可看到当时的照片纪录。
1982年－意大利成立修复小组，并在奥利外提公司的资助下，开始用科学仪器辅助清洗并修补“最后的晚餐”，主持修复计划的是米兰的一位艺术史女教授比宁·布拉姆比拉（Pinin Brambilla Barcilon）。此举虽满足世人长久以来的愿望，但也引起艺术界的一些争议，因此修复过程相当久，直到1999年3月才重新公开展示此画。
2000年－“最后的晚餐”并没有停止修补，而外界的争议却越来越大，有些评论家认为此画被清洗的太过明亮，而艺术史家和宗教学家则在修复过的画中发现了许多与众不同的线索。争议：
2003年3月18日－美国作家丹·布朗（en:Dan Brown）出版小说：达芬奇密码（en:The Da Vinci Code），书中指出此画中耶稣右手边的门徒约翰，其实是位女人，是抹大拉的玛利亚，因此引起了相当大的争议，至今仍无结论。注意画中有一只握着匕首的手,令人着迷的是这只手似乎不属于画中任何一人.《最后的晚餐》画作内容： 高4.6米，宽8.8米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使徒做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。《最后的晚餐》是基督教传说中最重要的故事，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。
画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。
画家描绘的弟子们的心理和情态，在现实生活中都可以找到相似的模特儿，可是叛变者的形象是很难画的。达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。后来米兰大公来看芬奇已完成的画，一见坐在犹大位置上的是院长，他笑了，并说：我也收到修士们的指控，说他克扣修士们的薪金，他和犹大是一个样的，就让他永远地坐在这里吧。大公对芬奇说：“他对你不公平，你巧妙地报复了他。”芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。所以犹大是作为贪财、叛卖、邪恶的典型而进入芬奇的作品的。
这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达芬奇名扬世界。画中的圣母几乎可以被认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬，不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。
这幅画，画得明快，人物结构与色彩都轻松明亮，由圣母、圣徒组成的三角形构图，庄重均衡，圣母和耶稣的体态健美而有力量，表现了母爱的幸福与伟大，几乎每一个见到过这幅画的人都被圣母所感动。
