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绘画基本知识
平行透视：平行透视也叫一点透视，即物体向视平线上某一点消失。就是有一面与画面成平行的正方形或长方形物体的透视。这种透视有整齐、平展、稳定、庄严的感觉。
用一点透视法可以很好地表现出远近感。常用来表现笔直的街道，或用来表现原野、大海等空旷的场景，此外，如在“室内”场景中运用，更可营造出房间宽阔舒适的感觉。
.成角透视：成角透视也叫二点透视，即物体向视平线上某二点消失．就是任何一面都 不与平行的正方形成长方形的物体透视。这种透视能使构图较有变化
按照灭点的不同，分为平行透视(一个灭点)、成角透视(两个灭点)和斜透视(三个灭点)。
这是达芬奇总结的其中最常用到的是线透视.透视学在绘画中占很大的比重,它的基本原理是,在画者和被画物体之间假想一面玻璃,固定住眼睛的位置(用一只眼睛看),连接物体的关键点与眼睛形成视线,再相交与假想的玻璃.在玻璃上呈现的各个点的位置就是你要画的三维物体在二维平面上的点的位置.这是西方古典绘画透视学的应用方法.如《最后的晚餐》 画透视
中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。
如北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。
中国画在的透视学应用: 国画善于表现丰富的情节,西方绘画注重单视点(类似于摄影).中国画讲求的丰富情节用单视点是不能完成的.因此,中国画用(类似于把摄象的多镜头分割再重新组合)多视点来表现.如《清明上河图》
微俯的视角表现,“远山即高”高山往往是画在远处的,其间再用云雾缭绕加以衔接.表现一种人比山高的心情.中国画是不采用近距离仰视来表现高山的画讲求“仗山尺树,寸马豆人”要求画中物体符合事物的正常比例,因此,画者必须采用远视距来表现.透视的基本术语
1，视平线：就是与画者眼睛平行的水平线。2，心点：就是画者眼睛正对着视平线上的一点。3，视点：就是画者眼睛的位置。
4，视中线：就是视点与心点相连，与视平线成直角的线。
5，消失点：就是与画面不平行的成角物体，在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点。
6，天点：就是近高远低的倾斜物体（房子房盖的前面），消失在视平线以上的点。
7，地点：就是近高远低的倾斜物休（房子房盖的后面），消失在视平线以下的点。
8，平行透视：就是有一面与画面成平行的正方形或长方形物体的透视。这种透视有整齐、平展、稳定、庄严的感觉。
9，成角透视：就是任何一面都 不与平行的正方形成长方形的物体透视。这种透视能使构图较有变化。
“素描”就是“素色描绘”和“朴素的描写”的意思。
一般是指用木炭条、炭精条、铅笔、木炭笔、钢笔、毛笔等较为单纯的工具和单一的色彩在纸面上所作的绘画.三面 物体在受光的照射后，呈现出不同的明暗，受光的一面叫亮面，侧受光的一面叫灰面，背光的一面叫暗面。这就是三面。
五调 调子是指画面不同明度的黑白层次。是体面所反映光的数量，也就是面的深浅程度。
素描基础训练的目的是为了不断提高造型能力。
一般人认为“素描”就是长期的全调子素描，这种理解是不够全面的。应该说这是一般人目前常用的方法，但并非是唯一的表现方法。反思：
本课专业术语比较多，如果讲解太深奥学生未必听得懂，也没兴趣。所以要从身边的物体让他们去感受形的明暗关系。还有可以通过横向纵向对比，让他们去了解物体的透视原理，并联系其他学科，让他们自己动手感受
代绘画之父保罗·塞尚曾说：“在自然里的一切形体都可以归纳成球体、立方体、圆柱体。在这种单纯的基础上学习绘画，人们才能画出一切想画的东西。”从某种意义上说，塞尚无疑是正确的。面对大自然丰富、复杂的形体现象，如果没有几何构造的基础，我们很难正确理解和再现自然形态。然而这也不是绝对的，中国古代画圣吴道子在用线条勾画人物形象的时候，没有任何几何形体作为依据，同样也能创造出神形兼备的绘画作品。事实上，绘画中找“形”的方式可以归纳为空间分析与平面比较两种，即用几何形体对物象进行理解和通过比例来把握物象的形体关系。
出示静物素描的初稿（幻灯）。
画家在作画的时候也喜欢把物体画成几何形的，抽象形。
毕加索(Pablo Picao，1881—1973)，是二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。他一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。毕加索生于西班牙的马拉加，油画《格尔尼卡》，是毕加索作于30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。
二、当医生拿起手术刀的时候，他要准确地打开人体身上的某一块肌肉的某一个部位，直取病灶。而当艺术家操起画笔或是一块泥料时，他所想到的不只是某一块肌肉或某一个部位，而是许多肌肉和骨头加起来的东西──结构。这也就是作为一个艺术家或未来艺术家所需要掌握的东西。
绘画中的比例问题，不同的时代有着不同的认识和看法，不同意图的绘画表现需要不同的比例尺度，绘画中的比例没有一成不变的规则。比例是画家用以观察的方法，而不是约束绘画表现的尺度.正常绘画中，人脸部正常比例就是所谓的三庭五眼。（幻灯）讲解三庭五眼。
“三庭五眼”是人的脸长与脸宽的一般标准比例,不符合此比例,就会与理想的脸型产生距离:。
有的艺术品的需要，必须把形夸张处理，把五官都拉长或缩短，让其显得滑稽。如泉州的木偶等。（幻灯）
人体比例（幻灯）。男的一般是七个头，女的六个半头，人体立姿为七个头高（立七），坐姿为五个头高（坐五），蹲姿为三个半头高（蹲三半），立姿手臂下垂时，指尖位置在大腿二分一处。当然这是东方人的特征，西方人特别是欧洲的，男的一、现一般八个头，女的七个。
人体性别基本特征：
男性：男性肩膀较宽，锁骨平宽而有力，四肢粗壮，肌肉结实饱满。女性：女性肩膀窄，肩膀坡度较大，脖子较细，四肢比例略小，腰细，胯宽，胸部丰满。
三、形的方向性。一幅有动感的图都具有不同的动感趋势，呈现出一中节奏的美，让我们觉得画不是静止而是在动的。像梵高的这幅画（幻灯）。整幅画每部分都是呈现出不同的动势，而且呈放射状像四面八方展开，让我们觉得整个场景处在一种热情洋溢的情绪中。还有像他的其他一些作品，也都是处在一种动势之中。房子画得歪歪的，好象要倒掉一样。再像这幅星空和他的自画像（幻灯）。作者力图把感情用图形表现出来，我们都知道梵高是个很有个性很有想法的画家，开枪自杀，图中都是以旋涡为背景。我们都知道旋涡是一种在海里翻滚着的东西，会让人产生不安的情绪。他的画也是处在一种不安的情绪中。这幅自画像，即使是坐着的，他的背景也让人觉得是在动。
安格尔的作品。（幻灯）
画静物的时候，摆着的静物虽然是静止的，但也存在着动势。静是相对的，世界上没有完全静止的事物。像这组静物（幻灯）。每个物体的朝向都不一样，连布也是朝各个方向，像是在流动的物体。
四、梳理你的印象。艺术家要把客观事物体现出来，就必须先把这些事物整理出来，首先就是先取景。就像拍照。相机都有个取景框，就是把你想要拍摄的景物安排在一个画面中。画画也一样。（幻灯），就像画向日葵。先取景后。然后进行加工，把形处理成自己想要的形状，然后组织在一起。当然这只是个抽象的比喻。我们看的东西有很大一面，比如要在某个地方写生，或者美术考声在考试的时候，一般会用手搭成一个框架，去观察对象，把看到的景物当成一张画好的画，或者一张照片，这样能排除其他事物的干扰，可以更方面的让你对要写生的事物进行观察。
框起来的事物并不是就一定是你画里面的景物，画家一般都会对其进行处理。如这两幅作品。同样是画月亮，一就显得很空旷，轻松，单纯，孤寂。另一幅就显得饱满，急促，运动感，丰富，冷漠，狂躁不安。
五、构图。构图艺术的基本的、传统的规则之一，是几个世纪前古希腊哲学家柏拉图写下的，“构图就是发现和体现一个整体中的多样化”。它简练而概括地说明了画家应当怎样去安排一幅画的构图。多样化可能存在于形体、色彩和作品中主要成分的位置安排上。多样化意味着创造形体和色彩的变化，这种变化将引起观众的注意，唤起他们的兴趣，激励他们仔细观赏并得到快感。但这种多样化不能过分，否则会使观众感到不安而失去兴趣。必须在一定的秩序内、一种整体的和谐中呈现多样化。也就是说：多样之中求统一，统一之中找变化。这就是构图艺术最基本的法则。
通常会有几个物象在一起，他们因位置，大小方向等因素形成一定的关系，我们在组织画面的时候可以重新调整他们的关系，这样，新的视觉形象就会出现了。
几种常见的构图形式：
⒈对称式：以构图的图形以作品中心为起点，向左右或上下做水平、垂直或放射状，使各边图形和数量形状相等或相似。如这幅《西斯廷圣母》。
⒉均衡式 将图形分成数量各不同的两组或多组，分别安放在作品的两边，使两边数量不相等，但通过变换统一的手段使两边质量相等。
⒊金字塔：多表现稳定的题材。常见于肖像画中。4.平行式：用水平或垂直构成，画面整齐，平静。5.弧线形：向上表示上升的主题，向下表示下降的趋势。
⒍三角形：三角形构图法—— 是静物写生中最常见的构图形式之一,具有稳定均衡之感。三角形构图是一种形式感强的构图方式,正置的三角形在所有几何形中是最稳定的, 倒斜三角星构图则让人感觉动荡。倒置的三角形是最不稳定的,而倾斜的三角形的感觉介于二者之间,有动荡之势。恰恰突出了演员技艺的精湛。
⒎留白式：留出大片空白处，让人很大的想象空间，回味无穷。
